發布時間：2023-03-24 15:13:54
序言：寫作是分享個人見解和探索未知領域的橋梁，我們為您精選了8篇的平面設計論文樣本，期待這些樣本能夠為您提供豐富的參考和啟發，請盡情閱讀。
當受眾面對具備大量信息的網頁或者廣告電子屏時，設計師對信息的歸納與整理就顯得尤為重要，因為受眾不希望被淹沒在信息的海洋中，那樣會給自身造成一種負擔，會覺得瀏覽信息很累，從而拒絕接受設計師所力圖傳遞的信息。在傳統意義上的平面設計中，設計師會采取一些技巧，比如以功能強弱、構圖層次、主次關系、圖像外觀來進行分類，遇到一堆圖片時，可以利用攝影的構圖來編排，比如遠景、近景等。同樣的在新媒體中，設計師也可以采取一定的方法進行分門別類，比如一個以特色菜為主題的網頁，設計師將需要展現的信息按照食材進行分類，分別為蔥爆肥羊、咖喱嫩牛、豆瓣石碇魚、霸王雞等，然后將圖片、文字、聲音等信息按照上面的4個菜品進行分類，最后布置在主頁和子頁對應的位置上。在布局的設計過程中，無論載體是平板電腦還是智能手機，最好不要將雞蛋放在一個籃子里，而是采取組別的形式，將需要的信息進行分類，然后放在相應位置，到底要分多少類，這取決于載體大小，一般來說，載體越大，分的種類就越多，一般來說屏幕的物理尺寸大小和像素大小都制約著信息的容量大小，這與傳統媒體排版是一致的，只要在載體上控制適當的規格，對信息進行精心組織，都會讓受眾覺得舒適。
2信息主次關系的合理布局
當代人的生活節奏很快，不管在哪里，低頭看手機，抬頭看電子屏，設計師要想讓所設計的內容抓住受眾的眼球，最好的辦法就是簡潔明了的內容。設計的精髓在于既要傳遞自己所要表達的內容，也要讓受眾有美的享受，所以在設計上給予受眾一定的空間，才能互相碰撞出火花。對信息的主次關系必須進行合理區分，主體信息一定要有足夠的空間來展現，在傳統的平面設計中，設計師會有目的地留白，利用留白來減輕頁面所造成的窒息感，利用留白也可以擴展設計的空間，利用留白使形式產生一些變化。面對新媒體時，設計師同樣會用類似的技巧來處理畫面，不過由于是新媒體，信息的主次關系與傳統媒體還是會有一些區別，它會更為復雜，信息的主次將以累加的形式呈現，邏輯和結構關系的要求更高，比如一本電子雜志，首頁會出現主要內容的信息，每個子頁面又會有獨立的內容，這些子頁面可能還會分出下一級的獨立內容，因此將所有的主體內容抽取出來，再按照層級的關系來編排。
3圖片信息的優勢
首先每每在我聘請助手的時候，沒有電腦障礙是我的第一個要求，這一定算是基本功。我見過許多自認為是精通電腦的設計師，但一出手我就認定他們的技術來自口耳相傳，隨時給自己的工作埋設炸彈，這些設計師的自信無疑會將他們不懂電腦的老板送向破財之路。當然，我每天都要求我的設計助手們不依賴電腦，這并不自相矛盾。不依賴絕不是說可以不懂，畢竟在我們工作中，從設計到印刷的每一道工序都需要電腦的幫助。今天看這一問題就象畫家不會用筆的道理是一樣的。
其次，對印刷知識的匱乏阻礙了許多平面設計師的發展。因為不了解，許多設計師認為自己的設計就是電腦屏幕上的樣子，這很危險，因為技術的原因，它與實際的輸出效果還有較大的差距。不熟悉印刷的特性與缺陷，許多設計師在做設計的時候不斷地給印刷找麻煩，設置障礙，這很愚蠢。平面設計師需要了解的印刷知識有許多，比如說各種品牌印刷機的性能、同一機型不同規格的性能、不同品牌油墨的性能、四色油墨與專色油墨的特性、不同品牌、規格、品種紙張的性能、特殊工藝、后期加工及裝訂等等，這些都是設計師在做設計時需要為客戶考慮的問題。
那么，懂了電腦，懂了印刷流程，就可以稱作平面設計師了么？可能還不行，畢竟以上說的與“設計”還沒有直接的關聯。就平面設計而言，還有許多特色性的規律，對于這些我的興趣更大。
A、平面不平
二十多年來，我自己有過很多幸運的事。比如在我吃這碗飯之初，偶然在舊書攤上買過一堆“TIME”雜志，這是永遠令我感到興奮的回憶。因為那時我正被眼花繚亂的設計弄得五迷三倒，無師可從，這堆舊雜志讓我開了眼，見識了正點。
認真閱讀TIME雜志，一切有關平面設計的技巧都囊括其中，而且毫不張揚，溫文而雅，為抄襲者提供了大量改頭換面的空間。我對平面設計的理解很多來自這堆舊雜志。
“平面不平”是我對平面設計中畫面效果的一種理解，很多人把它叫做版式、構圖、結構、形式感…都可以，我喜歡把話說得簡單。拜讀了很多好的設計后，我感到設計師們都在有意無意地追求著“不平”的效果。即利用各種平面元素，在平面材質上（比如紙張等），努力拉伸視覺空間。這一理論，畫家塞尚早我們一百年就開始嘗試了，并已作到了極致。令我很感嘆的是一百年前最不商業的令人類恐慌的藝術變革，一百年后卻變成了最最商業的平面藝術，多有意思。
這一空間概念涵概了自然空間感受與矛盾空間感受。隨設計師的愛好、版面要求、視覺沖擊需求、自由選擇。現在已經沒有很多人大驚小怪了，但無論展現自然空間感受，還是矛盾空間感受，設計師所使用的技巧（或稱元素）是有規律的。把它們歸納在一起也有一大堆。比如：打洞；夸張暗影效果；使用極具真實性與質感的圖象；實物元素與繪畫元素的對比使用；利用色彩之間的反差效果；利用線與色條的疊壓效果；利用文字與圖形、文字與文字的疊壓效果；文字之間大小比例關系的對比等等。因為篇幅所限，不作細解，今后可將范例作品與理論文字對照比較，一目了然。
B、色彩中的音樂
色彩是平面作品中的靈魂。想運用好它一定要了解一些紙張與油墨的知識。不同紙張與不同油墨的組合，會產生出絕對不同的效果。但我們與畫家的區別是：平面設計師手中的顏料只有四管兒，但它可以依靠網點的疏密特性，調和出所有我們可感知的顏色。這真是一項神奇的發明，作為印刷技術的原創民族我們感謝德國人。
利用網點與紙（白色）的配合，我們才能讓油墨顯得更均勻、鮮艷和干凈。但這只是技術上的事，設計師在設計工作中對色彩的運用還要更多的依靠靈性。
我常希望身邊的設計師朋友們能學習一些音樂，這并不是故弄玄虛，用音樂的理論解析色彩真是簡單直白，這是我的發現。
a.首先懂得音樂的人都知道在樂器上找不到一個固定的音，音符“叨”隨調式改變著位置，不同的調式傳達出不同的感情，適合著不同的樂器與人聲。這與我們運用色彩的道理是一樣的，整幅畫面的基調與情緒是通過畫面色彩的冷暖傳達出的。但從小我們頭腦中的色彩冷暖關系就是固定的。紅色偏暖，藍色偏冷。其實這是一個錯誤的概念。如同音符一樣，顏色隨周圍環境的變化轉換著調性（冷暖關系）。懂得這一道理，藍色也可以被我們渲染成暖洋洋的樣子。
因為屏幕的關系，平面設計師已經不習慣給顏色以文學式的命名，比如洋紅、群青、湖藍，取而代之的是更簡單，更直接的4個數字。這很好，符合商業時代或叫數碼時代的要求，是個機械式的要求。對色彩調性化理解是對平面設計師靈性的訓練。
b.其次和弦與旋律概念在平面設計中的應用
玩樂器的朋友都懂得另一個道理，無所謂哪一個音好聽與難聽，音符一定要放到一起去，才能叫音樂，否則“叨”“叨”“叨”一直按下去一定是噪音，“叨”“咪”“嗖”放在一起就變成了和弦“C”。這好比顏色中紅藍白的搭配一樣，永遠和諧。和弦可以繼續往里添加新的音符，比如加個“來”這個和弦馬上變了情緒，變成了一個7和弦。如果把“咪”換成降“咪”就更是大相徑庭地跑到藍調里去了，就好像在紅藍白的組合中，配上紫色或桔色給人的視覺感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符進去，成為9和弦，13和弦……在色彩上就好比我們常說的高級灰。
明白這個道理后，我們就會更直接地理解顏色是應該分組使用的。這些組合的基礎應該向和弦C、D、E、F…一樣，有一個最原始的搭配，設計師想不斷變化，就在這些組合里求變吧。你一定要把沒關系的顏色放在一起，就象”發“和”希’誰也不挨著誰，兩者之間沒關系，你的畫面一定平淡；如果你一定要把敵對的顏色放在一起，準會難看。運用和弦的道理去理解色彩，你會立刻跳出色彩貧乏的誤區，發現眼前可用的顏色太多也太美了。合理搭配的色彩組合把畫面的視覺空間不斷拉伸，讓畫面不僅絢麗而且厚實，這就是色彩和弦的作用。但僅僅有了和弦就能成為音樂嗎？不對，音樂還需要旋律，沒有旋律的音樂不好聽。那么，平面作品的旋律是什么呢，它是我們眼睛觀看一幅作品的過程。一幅招貼也罷，一本宣傳冊也罷，都存在著一個先看到什么，再看到什么，最需要人們看到什么，記住什么，回味什么的問題。這些就構成了平面作品的旋律，讓觀眾的眼睛什么時候緊張，什么時候休息，最后停留在哪個地方，這是設計師最需要動腦子考慮的問題。
c.節奏
根據我的建議，長時間以來，我的設計助手們一直在總結、記錄各種各樣的色彩組合。從名家的作品中，從各民族的圖案里，從自然景物中，然后在實際的工作中我們使用這些顏色。比如我們為“好倫哥”比薩餅店做的小折頁里所使用那一組顏色，就是從蔬菜和水果里找到的。因為我們需要一套讓人看了就餓的顏色。但問題很快就來了，許多我們在名家的好設計里總結出的顏色組合，再經過我們使用后就變了樣，沒了神兒，這是為什么呢？真讓我們苦惱了一陣子。
特征好的設計作品給人的第一印象是比較生動有趣，形狀的圖案和顏色都比較協調，有強烈的美感和藝術性。一個好的插圖設計，應該包含更多的有趣的設計元素，不僅僅是一個元素的產品信息或產品特性，其中包含有趣的藝術。你可以一目了然立即感受到插圖本身最真的部分，和觸摸共鳴。比如現在的插圖藝術的配套產品，在社會上也很受歡迎，如手機殼，鼠標墊，卡通杯衍生產品的開發，也帶來了廣闊的市場。因此，插畫藝術應具有有趣性的形式特征。設計本身就是一種需要，而不僅僅是裝飾，裝修。今天的插畫，在現代生活中流行的設計元素上占據更多，人們越來越注重實用的插圖設計。其性能要與華而不實的產品相比較，人們更愿意購買的產品有一定的使用價值。由以上特點分析來說，插畫藝術應具有趣味性，通俗性，多元化，形象化等形式特征的藝術表現方式。
二平面設計中插畫的藝術表達形式
1插畫在文學插圖上的應用
以及藝術性插畫在文學插圖中發揮著至關重要的作用。在文學作品中，如果載入人類心靈和情感的活動，文學既有現實的插圖，也有裝飾插圖。那么，里面插圖文學為主要特征，是孤傲的文學在千變萬化，開放的藝術表現形式的重要成員組成的文學作品。插畫在平面設計中應具有寫實性手法和裝飾性手法。作為一個例證，顯示了很多的內容，一些插圖，甚至具有不同的時間，和地點連接到一個插畫，如此逼真的插圖，一般喜歡使用蒙太奇的表現。現實主義文學插圖藝術，在電影蒙太奇的表現手法道路上的發展，提供了更多的自由發揮的空間，甚至時間和空間的形式，和現實生活中是不一樣的電影的時間和空間。
2插畫在商業插圖上的應用
以及藝術性伴隨著商業市場的不斷成熟，插畫市場涌入了大量的視覺文化信息，商務信息，尤其是在強調商業插畫的應用是非常廣泛的。按照不同的媒體商業插圖，插畫平面設計，插圖，版式設計，包裝設計，書籍裝幀設計，海報設計，電腦游戲和網絡媒體中的插圖，被廣泛應用于商業市場，引導和拉動內需，刺激消費群體，為商業插畫的經濟繁榮發展，提供必要的營養物質。現代藝術對商業插畫，其影響是在快速發展經濟和文化背景的前提下，一方面，戰后經濟的逐步復蘇期間，每個國家都經歷了重大的變化，對人民群眾的生活水平的提高，對生活的前景，價值觀，審美趣味都發生了很大的變化，另一方面，大眾媒體，和流行文化的快速發展，也促使國內文化消費水平一天一天的提高。現代插畫藝術的演變，從抽象的藝術，超現實主義，波普藝術，達達主義和其他形式的藝術，在藝術市場為商業插畫帶來了新鮮的設計靈感。
3商業插畫的表現風格及應用
商業插畫設計的性能特點，往往是在不同文化行業之間的合作。一種流行的插圖，不僅成為了大量的印刷雜志發行寵兒，而且也可能被改編成動畫片和電影電視節目。這個時代真正的態度是一個充滿生機和短暫的發展階段。作為一個商業插畫，也是值得玩味的。商業插畫的應用前景，越來越廣泛，它在自然背景的圖案符號，從書本上插入一直延伸到各種布局，戶外海報，包裝，以及尖端的時尚，今天的文化已經成為一個商業插畫的明天。產品的包裝設計是更廣泛的插圖。產品包裝設計，包括標志，圖形，文字三個要素。它具有雙重的使命：一是介紹產品，二是樹立品牌形象。最突出的特點是，它是在平面和立體設計之間。
三結語
1.平面設計審美追求的現代化
人們從事平面設計的習慣和方式隨著數字信息時代的到來而發生了改變。數字技術是虛擬的，平面設計在其影響下有了傳播和創作的優勢，以往的設計被數字時代的到來徹底打破。如今，平面設計成為圖片、文字、色彩有機結合的產物，為大眾的審美提供更廣闊的思維空間。通過聲音、視頻等多媒體的集中展示，平面設計作品產生了更具震撼力的視覺效果。數字時代的發展促使人們的審美觀念發生了改變。平面設計作品在追求實用性的同時，也依據現代大眾的審美需要被賦予了更多的藝術效果。綠色環保的設計理念被應用于設計作品當中，與人類的健康發展相協調。
2.平面設計依附于商品
價值和使用價值是商品的兩大基本屬性。然而，商品的最終價值是通過市場競爭實現的。平面設計作為一種商品，其價值的體現在于它使商品促銷成功，即體現了平面設計的實用性。在現實生活中，平面設計師通常依據客戶的基本要求進行設計，在作品中體現客戶的需要。只有客戶滿意，設計作品的商業價值才得以實現。此外，平面設計依附于商品的這一特性通常指引著平面設計的發展方向。一種商品在市場上的銷路好壞，直接影響平面設計行業的發展。當市場出現經濟危機時，很難激起大眾對于商品的購買欲望，商品滯銷，商家則無心顧及設計。另一種情況是，當商品市場供不應求時，賣家往往滿足于商品的暢銷，忽視其平面設計的好壞。商品市場的這一特點，影響著設計行業的發展變化。
3.平面設計審美追求的民族性
通常，平面設計作品中表達民族情感的部分即為平面設計審美追求的民族性。任何設計活動都無法脫離特定的民族及社會環境，因而在設計作品中，往往會體現出設計師的民族觀念。如何實現平面設計對于民族性的審美追求，成為設計師需要加以深思的問題。只有找到民族特性與設計作品的契合點，才能夠將二者完美結合，最終呈現給大眾。
二、平面設計審美追求的表現形式
平面設計是設計師將文字、圖像以及色彩三者有機結合，并將作品最終呈現給大眾的過程，其表現形式具有多樣性。
1.創意表現
創意是平面設計的靈魂與核心。一件好的設計作品一定具有獨特的創意，是設計者設計思維靈感具象化的產物。同時，創意的存在使作品在審美過程中，更容易與人們產生共鳴。
2.色彩表現
【論文摘要】設計在西方發展了百年，而在中國現代設計只有不到二十年的發展時間。因而受諸多因素影響，中國的早期平面設計教學從內容形式到制作方法都過于單調，傳統工藝美術型的設計教育已無法適應社會的發展和市場的需求，在現代設計多元化發展的大趨勢下，新理念、新思維不斷介入人們的生活，中國的平面設計應在實踐與探索中思考與尋找設計的未來之路。這為中國現代平面設計教學提出了新的要求。
現代平面設計教育在我國已有二三十年的歷史。面對中國偌大的設計市場，國內的美院、綜合性大學等紛紛開設設計系以應對這種局面。經過這么多年的設計教育，各高等院校也順應時代需要做出一些相應的改革。其中，就過去美術院校的“工藝系”到今天的“藝術設計系”名稱的改變可窺到設計教育中改革的印記。作為一個青年教師，我想當前平面設計教學問題談談自己的一些看法。
一、當前平面設計教學存在的問題
平面設計本身是種對生活方式的創造。在人類歷史上，設計成為一種獨立的活動時也標志著
人類文明進程的前進步伐。但客觀地看，目前的平面設計教學自身還不很完善。
首先，在教學中重視造型基本功，這本無可厚非，但卻同時忽略了學生的創造性。我們應該知道一個淺顯的道理：站在巨人的肩膀上可以看得更遠。今天的學生正是在前人成功的基礎上前進。因而，舊的平面設計教學體系顯然已經不適應當前形勢。正如用安格爾的方法不會有凡高；用徐悲鴻的方法也不會有貝聿銘一樣，純美術(油、版、雕)的造型訓練、色彩練習，對于平面設計而言，并不是完全適用的。
其次，在大學四年的課程安排中，過多的基礎訓練，導致了學生對理論研究的嚴重不足。平面設計是一個邊緣學科，學科間的交叉明顯。因而，在教學過程中，多安排一些理論課是有必要的。
再次，前面提到了“包豪斯”的教學。本來，包豪斯重實踐、重技術與藝術的結合等等，都是平面教學應當學習的。但由于一開始對其理解的偏差，導致了今天各院系的平面設計專業明顯地缺乏活力、創造力，對平面設計的理解也明顯落后于時代。很多學生作品毫無新意，且忽略了自身的民族特點，放棄了幾千年來中華民族的文化積淀，沒能很好地將平面設計教學與社會生活聯系起來。
二、加強平面設計教學的幾點建議
1.課程體系中應增設“設計管理”課程
過去我們搞平面設計教育，以工藝美術教育為主。自八十年代初期以來，從日本和我國香港、臺灣等地區引進企業形象策劃(CI)潮以來，教學上就有了些改革。基礎教學我們沿用的依然是包豪斯傳下來的三大構成。這時候的平面設計專業(或者裝潢專業)的課程設置以企業形象策劃為主。而且在引進CI方案時，我們把它分為：MI(理念識別)，BI(行為識別)，VI(視覺識別)三大塊。設計專業的教學以視覺識別為主。而“設計管理”課程是在市場化的前提下、在設計專業發展的過程中逐步建立的。從我國改革開放到今天總共不過23年，各領域都在經濟大潮中摸索著前進。我們的現代設計教育時間更短，“設計管理”課程的缺失是有其原因和社會背景的。隨著改革開放的深入，企業內部科學的管理體系也逐漸完善。在此基礎上，設計師面臨的與創作對象(企業)之間的交流日益重要，“設計管理”課程也就提上日程。
在過去我們的平面設計教學中，僅以設計的基本創作為主線，沒有注意到與創作對象(企業)之間的溝通，再加上技法滯后等造成：
(1)學生只顧埋頭做手工設計的技法練習和相應的簡單膚淺的設計思想的思考，對設計的深入思考缺少認識。
(2)理論體系不健全，對所學專業企業形象策劃(CI)缺少認識的完整性、高度性。
(3)目前我國在法律、法規、市場運作等方面處于一種逐漸完善的階段。因此對設計管理課程的設置應有所高度的認識。
2.平面設計教學應模糊學科間的邊緣界限
在這樣一個知識大爆炸的時代，設計學科的邊緣性要求新的設計人才必須是綜合性人才，而不是一味地“專”下去。平面設計在現代社會扮演的不僅是傳達信息的角色，同時還擔當了傳達思想的、甚至是傳承文化的重擔。因此，要注重培養學生各方面的綜合素養，如文學、哲學、藝術等。要讓學生認識到平面設計專業自身就是藝術、技術、社會生產力等交叉而興盛的一種新的學科，其自身的邊緣性應在教學中得到體現。另外，還可在課程中嘗試開設市場學、消費心理學等課題。當然，在強調學科“邊緣性”時，并不是要求平面設計者個個成為多面手。模糊學科間的界限，不是模糊專業本身，只是學科間的交叉有利于平面設計自身健康、全面地發展下去。既然平面設計成為一門獨立的學科，那么，專業性是其立足點。
3.平面設計教學要注重個性化設計的培養
20世紀80年代中期，電腦的出現為我們的設計帶來了前所未有的變革。速度和質量是其最突出的表現，它大大提高了平面設計者的工作效率和作品的制作工藝。在這種形勢下，平面設計教學工作應主動適應不熟悉的領域，要在這個需求逐漸提高的新環境中不斷提高平面設計教學的水平，跟上科技的進步的步伐。面對科技帶來的種種壓力和飛速發展的商業環境，設計教育的重要性不斷增強，對設計者潛在能力的要求不斷提高。
隨著電腦的普及和軟件的應用，平面設計逐步走向程式化，這就要求設計創意必須具有個性。設計的本質是創造，設計創造源于設計的創造性思維。個性化是設計師對平面設計個性差異的獨到見解。平面設計教學應通過對設計原理、設計內容等理論知識的講授，注重培養學生設計創意個性化的表達，倡導設計風格，挖掘個人與眾不同的創造性思維，使設計具有鮮明、獨特的個性表達和強烈的視覺沖擊力。
出于職業的因素，對繪畫與平面設計的異同性，一種人認為，只要有繪畫的造型功夫，設計便不成問題；而另一種人則認為，設計就是設計，有繪畫的造型功底不見得就懂設計。持前一種觀點的人多為美術院校的師生，而持后一種觀點的人則一般為職業設計師。本文就此話題談幾點看法，欲起到拋磚引玉的作用。
1．現代繪畫是個性的表露
繪畫的意義在于創新，而創新只有通過“個性化”才能夠得以實現，重復的繪畫沒有生命力。回顧繪畫發展史就會發現，無論中國還是西方，每一位杰出的大師都曾經創造過極端個性化的作品。每一位巨匠都具有自己的典型特征。畫家，尤其是現代派畫家，他們在創作時可以完全不用考慮其作品的社會性。在某種意義上說，作品的生命力，正表現在個性化上。通過作者對美的形式法則的特殊理解而存在著。任何一個偉大的畫家，都會有自己獨特的審美個性。畫家必須把自己個人的主觀意志潛能釋放出來，最大限度地表現自我。這方面，梵高無疑最具典型的代表意義。梵高于他生前極其艱苦的條件下所創造出的大量個性化作品從未賣掉過，就是因為其作品的極端“個性化”，以致不能被人們所接受。
現代繪畫個性化的表現還體現在五花八門的創新手法上。當今的世界正走向一個信息高度發達的社會，如何反映這一時代特征，是每一個前衛藝術家思考的問題。在西方藝術表現形式日趨復雜多樣的今天，架上繪畫似乎處于一種低迷的狀態。前衛藝術家們為了表現具有個性的獨創性，往往將一些不同種類的藝術式樣相結合，以完成自己的藝術創作。這些光怪陸離的所謂“個性”的藝術品在現代藝術展中司空見慣，藝術家們完全不必考慮觀眾能否接受，而只表現自己的創新。
2．依附性是現代設計在商品經濟中的本質反映
設計與繪畫最大的區別在于其對商品的依附性上。設計作為商品在為市場服務時必須具備“包裝”價值與“使用”價值。要想贏得客戶的信任與滿意，最終實現設計的價值，就必須通過市場競爭的考驗，設計得成功與否在于它能否通過美化產品而最終實現促銷的日的。
現實中幾乎每一位設計師在為客戶提供設計服務時，都會盡量去迎合和滿足客戶的需要。一方面設計師必須站在客戶的角度去揣摩他們的心理，以使自己的設計方案得以通過。另一方面，客戶可能對市場的把握了解遠勝過設計師，設計師不得不服從客戶對他提出的要求。在設計的過程中，設計師絞盡腦汁去思考去解釋自己的作品，也許自己認為很滿意了，但最終的評判還是客戶對其設計能否通過。
在這里有一種情形可以肯定，那就是被客戶選中的未必就是“好作品”，而未通過的設計不一定就是“壞作品”。我們常常可以碰到這樣的情況，設計師為某一設計出了一組方案，對其中的某個方案很滿意，而客戶往往選中的卻是設計師自認為“陪襯”的方案，最終的裁決權當然是客戶。設計師只有屈從于他們的“上帝”，這就是市場。
設計對商品的依附性還體現在“市場”是設計的指揮棒。市場的強勁與疲軟將直接影響設計行業的起伏。如1991年海灣戰爭爆發之初，歐洲主要工業化國家的生產過剩，消費匱乏，市場處于嚴重的經濟蕭條狀態，生產停滯不前。荷蘭的頓巴設計公司上門為一些廠家服務時得到的回答是：“經濟不景氣我們暫時不需要設計，現有的設計就足夠了”。還有另一種情況是，當市場上某種產品在賣方市場狀態，產品供不應求，廠家對“設計”也會不屑一顧。
3．對混濁美的追來是繪畫藝術的本質體現
繪畫與設計的區別不僅僅體現任“個性化”與“依附性”方面，還體現在對形式美規律追求的差異性上。
“混沌”一詞是“指宇宙形成以前模糊一團的景象”。中國人喜歡含蓄，認為“含蓄”就是美。“混沌”本身就體現著一種不確定的耐人尋味的特征，這和中國的古哲學與宗教有關。中國古典繪畫所表現的“空靈”、“氣韻”，以及“墨分五色”，用有限的筆墨表現無限的意境等美學思想，都在于這種“混沌”之美。
這些手法在設計中也偶爾能見到，但一般來說僅是借用繪畫的表現手法，以增強設計的藝術性而已。它們不是設計的最終目的。我們從杉浦康平等大師的作品中就可以體會出這一點。具體來說：杉浦康平為敦煌設計的系列從書，從表面上他是在追求中國畫“空靈”、“氣韻”之境界，而更深刻的是他把敦煌中的圖形元素，運用現代設計的基本構造原理加以組合。這種“空靈”混沌美的境界只是作為設計的一種手段而不是目的。希望最終能真正反映出這套系列叢書的內涵。這充分表示出大師的獨具匠心和對繪畫與設計關系的把握上。
在西洋繪畫方面，雖然流派眾多，形式各異，但整體精神同樣是在追求“混沌美”。古典油畫盡管形態表現得細致、逼真，但其意境追求的則是深奧悠遠，發現出不確定的“混沌美”。而現代派追求的則是標新立異，追求的是超現實荒誕的不確定性。米羅追求的是童趣的海底世界般的夢幻，體現著不確定的“混沌美”，柏洛克則拎著顏料桶在畫布上滴灑而不拘一格，他似乎是更接近在追求著“宇宙形成以前模糊一團的景象”。
繪畫對“混沌美”的追求還體現在對材料肌理的選擇上。何種題材何種效果，需要何種肌理是繪畫追求混沌美的表現之一。繪畫，尤其是現代繪畫，在一幅作品中選擇綜合材料已到了隨心所欲的境地，多種材料的運用旨在加強畫面的“混沌美”的效果，通過撲朔迷離不確定的材質肌理的運用，以達到變化多端的目的。
4．秩序美是平面設計的核心體現
設計不同于繪畫還體現在對秩序美的追求上，現代設計對實體的進一步把握是形式法則。形式是實體的具體化、豐富化、精確化。可以看出德漠克得特以原子結構來解釋宇宙實體的內在形式，畢達哥拉斯派則以數理描述宇宙實體的外在形式，他們從天空星辰的布局中悟出了點、線、面的幾何關系，從而把數推為宇宙的本體（“宇宙”這個詞在古希臘就包含著和諧、數量、秩序等意義）。
在設計方面，數對設計的影響，遠的不說，僅從近代有關設計的理論，對平面設計的貢獻就可以看出它的重要性。如瑞士設計家約翰·契肖德所發明的數字邏輯形體設計在書籍設計中的運用。再如設計家羅爾·羅塞利奧對哥特式圣經內頁邊緣數值比例的發現，即著名的九段劃分法，他求出了開本寬度尺寸的一個1／9作為內邊，兩個1／9作為外邊，開本寬度尺寸的一個1／9作為天頭，兩個1／9作為地腳的規律。而在1946年，方·德·格拉夫根據羅爾羅塞利奧的九段劃分法，求邊緣的比例圖，發現了用幾何計算的簡單方法取代九段劃分法，這種方法被稱為“蛇瓜式劃分法”。
在現代設計史上對20世紀影響最大的代表人物是勒·科布歇。他運用建筑學的基本理論根據人體比例進行黃金分割，被稱為模數設計體系。模數最初對于建筑形式有著重要的貢獻，后來被運用到平面設計中。模數理論的基本原理就是對太陽神的肚臍、頭頂和伸直手臂的指尖進行分割。之后勒·科布歇將之變為44個長方形進行空間分割。模數體系的核心，就是試圖利用人們對級數變化心理反應所產生的秩序美進行設計。在勒·科布歇發明模數之后，歐洲各國設計師紛紛運用這一設計原理并將之進一步推進，最終形成了網格設計的理論體系。網格設計體系把幾例分析法和數在平面設計中的運用提升到了空前的高度，其特征是重視比例感、秩序感、連續感、清晰感。總之，它是以理性的數理為基礎的形式法則在平面設計中的運用。
從上述的例證來看，設計的美感體現在有秩序的數理的韻律上，這點與繪畫有著本質的不同。
5．平面設計的獨立性體現在版式編排和字體形態上
繪畫是以圖的形態傳達著信息，一幅好的繪畫作品可以濃縮巨大的信息內容，是文字高度濃縮的載體，在某些場合它可以代替或補充文字的不足。雖然如此，由于繪畫與文字傳播的功能存在著較大的差異，繪畫作為單獨的藝術形式其畫面不存在文字的說明。既然繪畫藝術可以無文字表述出現，故此它也就不存在版式編排問題。
而設計無論是作為獨立的藝術形式，還是特地為某種產品服務，都必須有文字的說明。只有通過文字形態的存在，其自身價值才能夠得以充分體現。現代平面設計作為版面設計（typography）有兩種意義上的版式編排：一種是圖形與文字的結合，另一種是純粹文字間的自由組合。這兩種形式均可稱為版式設計。但無論哪一種形式的版式設計都離不開文字的存在。一方面版式編排需文字組成，另一方面文字本身形態的差異也豐富了版式編排的多樣性。
從世界范圍來看，各國各民族文字其形態演化的過程都來源于“畫圖記事”，與圖相聯系。如果把這種“圖形”稱之為“繪畫”的話，那么文字和繪畫在他們幼年時代本是同根同源。但從現代設計的角度或世界文明史的進程來看這一問題，就會發現文字的形態特征顯然已完全抽象地“獨立”于“繪畫”了。此外，在近一個世紀的現代設計發展歷程中，前輩設計師們在實踐中總結出了一系列版式編排的形式法則，構成了現代設計的基礎理論，如：比例、力場、中心、方向、對稱、均衡、韻律、對比、分割等，以及黃金分割在設計中的運用，德國標準比例、動力對稱學說、草席形、立體派格調、螺旋形、模數等等都集中體現了平面設計的獨特語言。而影響版式編排藝術性的“字體形態”已逐漸發展成為新的設計學科。從本世紀初至今，西方許多發達國家相繼成立了字體設計公司并在高等學校開辦了字體設計學科。亞洲的日本、韓國等也沒有相應的機構。由此可見，設計有別于繪畫是獨立于繪畫而具有時代特征的專門學科。
6．繪畫與設計的差異性體現在各自的實現方式上
由于繪畫與設計存在著巨大的功能上的差異性，同時，在工藝制作的實現方式上也就存在著本質的區別。
繪畫雖然是一門藝術，但在制作過程中技術的成份占有相當大的比重。如果說繪畫在藝術的前提下，是一個運用新觀念新手段的創造過程，那么繪畫在其技術中所包含的材料、技巧等一系列因素則是完成和實現這種創造性思維的最重要的手段。
前文中曾提到的繪畫是個體勞動并突出表現“個性”的單一行為。因此，這就決定了某一繪畫作品，絕對不能重復出現，并且呈現給觀眾的必須是“手工”制作的真實的肌理材料。如油畫，是用以油為結合劑的油性顏料畫在布面或其它材料上。國畫則以筆、墨、宣紙、帛以及水溶性顏料為主要肌理特征。
而作為設計，其產生和發展都由“商業”行為而來，是隨著商品經濟的激烈競爭而出現的。它的目的是為整個市場服務，具有顯著的商品特征。在其“實現”方式上必然是在腦力勞動與機器大生產相結合的物化過程。在過去近一個多世紀的發展歷程中，設計從來都是以機器印刷的方式來證明自己的價值。它從未脫離過大機器生產而獨立存在。即使是在國際各種設計比賽中，設計作品的機器生產工藝水平也是評判的重要著眼點。現今時代變了，科技又有了長足的進步，電腦的產生無疑給設計業帶來革命性的變化。設計作品的“生產”方式更加體現了機器的智能化、工業化和系列化，越來越顯示出“機器”的重要性。因此作為一個設計師不僅應懂得設計還要懂得機器的印刷功能，印刷裝訂工藝，甚至還要懂得在何種狀態下，機器墨色套排序列會對作品產生什么樣的效果，紙張的品牌、種類、性能將會影響設計作品的怎樣質量。
綜上所述，繪畫與現代平面設計有著巨大的差異。二者之間的關系屬于兩個不同性質行業之間的關系——是實用性與觀賞性的關系；是多層次、多社會性的理性思考與情感宣泄，表現個性才氣的關系；是體現工業化的生產技術水平與個體藝術者之手工技巧的關系……
論文關鍵詞：中國傳統藝術現代平面設計招貼廣告標志設計中國設計
中國五千年積聚下來的文化，是歷史文明演化而匯集成的一種反映民族特質和風貌的民族文化．是民族歷史上各種思想文化、觀念形態的總體表征．具有鮮明民族特色的、歷史悠久、內涵博大精深、傳統優良的文化：它有無處不在的廣博性，或移花接木、或一脈相承的傳承性，潛移默化的影響性，是我們走向現代化所憑借的精神支柱。可以說傳統文化已經影響著我們生活的各個方面。包括對我國藝術設計的發展也帶來了巨大的影響，而傳統藝術作為傳統文化中重要的元素，其創作和發展也離不開孕育她的民族特性和民族習慣。
一、中國傳統藝術概述
我國傳統藝術的遺產極其豐富并且輝煌。繪畫、書法、音樂、舞蹈、戲曲、園林、建筑、雕塑、工藝美術、傳統美食等，都有幾千年的積累，都有偉大的創造，都透著五千年文明古國深厚的文化底蘊。這是中華民族的寶貴財富，也是全人類的寶貴財富。無論是宮廷美術還是民間美術，無論是文人畫還是宗教畫，經過歷代的畫家、藝人、工匠的創作實踐，積累了大量豐富多樣的藝術表現手法和表現形式。無論是逸筆草草的國畫筆墨還是板刻結圓的裝飾圖案；無論是造型夸張的民間剪紙還是色彩強烈的木版年畫，這一切無不為現代設計藝術提供著豐富的表現形式和圖形語言。中國傳統藝術是東方文化的一處獨特景觀和寶貴財富，它題材廣泛、歷史悠久、內涵豐富、博大精深、形式多樣，是其他藝術形式難以替代的。
二、中國平面設計的發展
在我國，平面設計有著悠久的歷史。戰國時“矛與盾”的口頭廣告——“韓非子”中所描述的“懸幟甚高”中的“望子”；兩宋時期伴隨著印刷雕版而產生的“傳單”等．都可以看作是平面設計的雛形，是我國廣告歷史久遠的例證。但是，平面設計真正成為一種專業性活動并發揮其巨大作用卻是從資本主義社會才開始的，從這個意義上講．我國的平面設計藝術可以說是引進的。西方設計發展了百余年，而在中國。真正意義的設計只有不到二十年的時間．全球經濟一體化的商業融合，強化了中國設計師的競爭意識，參與國際平面設計競爭和交流已經是家常便飯，中國設計師在國際設計大賽中獲獎也是十分頻繁的事情了。中西文化的交融，多元化的國際并存已經融人中國設計師的作品中，這是中國平面設計事業成熟的表現。然而，正是這種中西文化的相互交融，中國現代設計中充滿了受西方影響的視覺語言，在“國際設計風格”潮流之后，開創多元化的設計潮流，已成為新一代設計師們所面臨的課題。這種發揮是在對傳統文化表現方式的理解基礎上。傳統的元素加以改造提煉和運用，使現代設計更富有時代的特色。
三、中國傳統藝術對現代平面設計的影響
從我國文化發展的歷史經驗來看，一個國家、一個民族文化的發展，要想立于不敗之地，就要勇于吸收，敢于繼承，善于交融。無論是從我國早期華夏文化的形成直至達到兩漢文化的高峰，還是盛唐文化受到西域、印度文化的影響而發揚光大。無不表明，只有勇于吸收，才能發展．只有敢于繼承、善于交融才能最終真正成為自己文化的主人。
1．我國傳統藝術對招貼廣告的影響
招貼廣告是現代平面設計中比較大眾化的一種體裁，用來完成一定的宣傳鼓動任務，或是為報導、廣告、勸喻、教育等目的服務，它要求一目了然，簡潔明確。為了達到這個目的，招貼廣告往往采取一系列假定手法，突出重點，刪去次要的細節，甚至背景，把各個不同的比例．在不同時間、空間發生的活動組合在一起，并經常運用象征手法，啟發人們的聯想。因此，它的構思要能超載現實，構圖要概括集中，形象要簡練夸張，要以強烈鮮明的色彩為手法．突出醒目地表達所要宣傳的事物，賦予畫面更廣泛的含義。在這些方面，中國傳統的美學觀，能夠為設計者提供大量的營養。而西方傳統藝術，基于幾何學空間觀念，從模擬生活現象人手。借以展示作者的創作思想。中國藝術家則是有選擇，有重點，以“不似之似”、“脫形寫神”為藝術追求的勝境。我們從來不曾用如實的描寫、逼真的再現要求過中國傳統藝術，沒有人指責某些山水畫不符合焦點透視的原則，也沒有人批評傳統戲曲程式化的表演模式，因為我們對自已的傳統藝術有一個固定的觀念．懂得抽象的形式美在造型藝術中的重要價值。中國傳統藝術講究形神兼備，講究概括與內涵，齊白石“畫蝦幾十年才得其神”，就有一個不斷概括、不斷深入的過程，最終敢于舍棄蝦的次要部分而突出其主要特征，使母蝦的形象更為完美、更為生動。齊白石提出的“作畫妙在似與不似之間”．這種說法和石濤的“無法而法．乃為至法”的說法是相通的。再看我們的一些招貼畫．就“似與不似”的觀點來考察。就形象的簡明與富于概括這一點來衡量。很多形象顯然不是生活的簡單模仿，某些概括的形象顯然與素材有很大的差別．由復雜到單純，由繁雜到簡潔，這種特點正符合了招貼廣告的要求。觀眾欣賞畫，主要不是欣賞藝術家畫的是什么，而是主要欣賞通過什么藝術手法來表現。欣賞的著眼點在于筆墨、章法、氣韻、意境，正如同觀眾欣賞傳統京劇，主要是欣賞演員的技藝和“唱、念、做、打”的功夫。中國傳統藝術突破了自然主義和形式主義的片面性，創造了不少規范化的程式．這些師法自然，來源于生活但又經過千錘百煉．概括而又多變的“程式”是一種經過高度提煉的美的精華．是積淀了內容要求的形式之美。
香港設計師靳埭強在平面設計界是當之無愧的大師級人物。他曾獲得過300多個設計類的獎項。其中很多是國際平面設計界一流的大獎。他主張把中國傳統文化的精髓融合到西方現代設計的理念中去。他的許多作品都無一例外地體現著這種思想，在其招貼設計《自在》系列中．運用了中國的水墨畫技法．融合了現代技術的特殊機理效果．現代又不失傳統。在國際“水”主題招貼藝術展中．“水一生命一文化”招貼圖形作品，將極其強烈的民族裝飾風格化的圖形形象作為整幅作品的大背景，進行了豐富而適當的虛化處理，整個畫面以黑白極色加以藝術表現．形成了形與色的對立與協調、沖突與融合的視覺效果．構筑了一幅在中國特定大文化場景下的具有視覺沖擊力的現代平面圖形設計作品。招貼作品“金、木、水、火、土”招貼圖形形象設計，也充分顯示了這種文化藝術的精神特征．縈繞著極其強烈的現代主義設計的精神光環。
我們從靳埭強的設計作品中，都能感受到強烈的中華民族文化的氣息，這也正是他藝術設計成功之所在。如果說．靳埭強的成功，還有什么捷徑的話，那就是把中國傳統文化融合到現代設計中去，使設計更具有文化氣息，更具有民族特色，以此強化設計的感染力度。
2．我國傳統文化對標志設計的影響
五位青年對工作室很感興趣，東瞧西看了一大陣子，最后聚到我的辦公室里說話，向我提了許多有關設計與印刷的問題。在他們提出的諸多問題中，什么是平面設計的基本功最令我難答，我敷衍了他們后出于興趣考慮起來，終于覺得在找一個沒有定律的答案。
從多年來破碎的經驗中搜尋了一大圈，揀出了一些教訓，的確要在基本功里解決。
首先每每在我聘請助手的時候，沒有電腦障礙是我的第一個要求，這一定算是基本功。我見過許多自認為是精通電腦的設計師，但一出手我就認定他們的技術來自口耳相傳，隨時給自己的工作埋設炸彈，這些設計師的自信無疑會將他們不懂電腦的老板送向破財之路。當然，我每天都要求我的設計助手們不依賴電腦，這并不自相矛盾。不依賴絕不是說可以不懂，畢竟在我們工作中，從設計到印刷的每一道工序都需要電腦的幫助。今天看這一問題就象畫家不會用筆的道理是一樣的。
其次，對印刷知識的匱乏阻礙了許多平面設計師的發展。因為不了解，許多設計師認為自己的設計就是電腦屏幕上的樣子，這很危險，因為技術的原因，它與實際的輸出效果還有較大的差距。不熟悉印刷的特性與缺陷，許多設計師在做設計的時候不斷地給印刷找麻煩，設置障礙，這很愚蠢。平面設計師需要了解的印刷知識有許多，比如說各種品牌印刷機的性能、同一機型不同規格的性能、不同品牌油墨的性能、四色油墨與專色油墨的特性、不同品牌、規格、品種紙張的性能、特殊工藝、后期加工及裝訂等等，這些都是設計師在做設計時需要為客戶考慮的問題。
那么，懂了電腦，懂了印刷流程，就可以稱作平面設計師了么？可能還不行，畢竟以上說的與“設計”還沒有直接的關聯。就平面設計而言，還有許多特色性的規律，對于這些我的興趣更大。
A、平面不平
二十多年來，我自己有過很多幸運的事。比如在我吃這碗飯之初，偶然在舊書攤上買過一堆“TIME”雜志，這是永遠令我感到興奮的回憶。因為那時我正被眼花繚亂的設計弄得五迷三倒，無師可從，這堆舊雜志讓我開了眼，見識了正點。
認真閱讀TIME雜志，一切有關平面設計的技巧都囊括其中，而且毫不張揚，溫文而雅，為抄襲者提供了大量改頭換面的空間。我對平面設計的理解很多來自這堆舊雜志。
“平面不平”是我對平面設計中畫面效果的一種理解，很多人把它叫做版式、構圖、結構、形式感…都可以，我喜歡把話說得簡單。拜讀了很多好的設計后，我感到設計師們都在有意無意地追求著“不平”的效果。即利用各種平面元素，在平面材質上（比如紙張等），努力拉伸視覺空間。這一理論，畫家塞尚早我們一百年就開始嘗試了，并已作到了極致。令我很感嘆的是一百年前最不商業的令人類恐慌的藝術變革，一百年后卻變成了最最商業的平面藝術，多有意思。
這一空間概念涵概了自然空間感受與矛盾空間感受。隨設計師的愛好、版面要求、視覺沖擊需求、自由選擇。現在已經沒有很多人大驚小怪了，但無論展現自然空間感受，還是矛盾空間感受，設計師所使用的技巧（或稱元素）是有規律的。把它們歸納在一起也有一大堆。比如：打洞；夸張暗影效果；使用極具真實性與質感的圖象；實物元素與繪畫元素的對比使用；利用色彩之間的反差效果；利用線與色條的疊壓效果；利用文字與圖形、文字與文字的疊壓效果；文字之間大小比例關系的對比等等。因為篇幅所限，不作細解，今后可將范例作品與理論文字對照比較，一目了然。
B、色彩中的音樂
色彩是平面作品中的靈魂。想運用好它一定要了解一些紙張與油墨的知識。不同紙張與不同油墨的組合，會產生出絕對不同的效果。但我們與畫家的區別是：平面設計師手中的顏料只有四管兒，但它可以依靠網點的疏密特性，調和出所有我們可感知的顏色。這真是一項神奇的發明，作為印刷技術的原創民族我們感謝德國人。
利用網點與紙（白色）的配合，我們才能讓油墨顯得更均勻、鮮艷和干凈。但這只是技術上的事，設計師在設計工作中對色彩的運用還要更多的依靠靈性。
我常希望身邊的設計師朋友們能學習一些音樂，這并不是故弄玄虛，用音樂的理論解析色彩真是簡單直白，這是我的發現。
a.首先懂得音樂的人都知道在樂器上找不到一個固定的音，音符“叨”隨調式改變著位置，不同的調式傳達出不同的感情，適合著不同的樂器與人聲。這與我們運用色彩的道理是一樣的，整幅畫面的基調與情緒是通過畫面色彩的冷暖傳達出的。但從小我們頭腦中的色彩冷暖關系就是固定的。紅色偏暖，藍色偏冷。其實這是一個錯誤的概念。如同音符一樣，顏色隨周圍環境的變化轉換著調性（冷暖關系）。懂得這一道理，藍色也可以被我們渲染成暖洋洋的樣子。
因為屏幕的關系，平面設計師已經不習慣給顏色以文學式的命名，比如洋紅、群青、湖藍，取而代之的是更簡單，更直接的4個數字。這很好，符合商業時代或叫數碼時代的要求，是個機械式的要求。對色彩調性化理解是對平面設計師靈性的訓練。
b.其次和弦與旋律概念在平面設計中的應用
玩樂器的朋友都懂得另一個道理，無所謂哪一個音好聽與難聽，音符一定要放到一起去，才能叫音樂，否則“叨”“叨”“叨”一直按下去一定是噪音，“叨”“咪”“嗖”放在一起就變成了和弦“C”。這好比顏色中紅藍白的搭配一樣，永遠和諧。和弦可以繼續往里添加新的音符，比如加個“來”這個和弦馬上變了情緒，變成了一個7和弦。如果把“咪”換成降“咪”就更是大相徑庭地跑到藍調里去了，就好像在紅藍白的組合中，配上紫色或桔色給人的視覺感受是截然不同的。和弦一直可以添加音符進去，成為9和弦，13和弦……在色彩上就好比我們常說的高級灰。
明白這個道理后，我們就會更直接地理解顏色是應該分組使用的。這些組合的基礎應該向和弦C、D、E、F…一樣，有一個最原始的搭配，設計師想不斷變化，就在這些組合里求變吧。你一定要把沒關系的顏色放在一起，就象”發“和”希’誰也不挨著誰，兩者之間沒關系，你的畫面一定平淡；如果你一定要把敵對的顏色放在一起，準會難看。運用和弦的道理去理解色彩，你會立刻跳出色彩貧乏的誤區，發現眼前可用的顏色太多也太美了。合理搭配的色彩組合把畫面的視覺空間不斷拉伸，讓畫面不僅絢麗而且厚實，這就是色彩和弦的作用。但僅僅有了和弦就能成為音樂嗎？不對，音樂還需要旋律，沒有旋律的音樂不好聽。那么，平面作品的旋律是什么呢，它是我們眼睛觀看一幅作品的過程。一幅招貼也罷，一本宣傳冊也罷，都存在著一個先看到什么，再看到什么，最需要人們看到什么，記住什么，回味什么的問題。這些就構成了平面作品的旋律，讓觀眾的眼睛什么時候緊張，什么時候休息，最后停留在哪個地方，這是設計師最需要動腦子考慮的問題。
c.節奏
根據我的建議，長時間以來，我的設計助手們一直在總結、記錄各種各樣的色彩組合。從名家的作品中，從各民族的圖案里，從自然景物中，然后在實際的工作中我們使用這些顏色。比如我們為“好倫哥”比薩餅店做的小折頁里所使用那一組顏色，就是從蔬菜和水果里找到的。因為我們需要一套讓人看了就餓的顏色。但問題很快就來了，許多我們在名家的好設計里總結出的顏色組合，再經過我們使用后就變了樣，沒了神兒，這是為什么呢？真讓我們苦惱了一陣子。
